Un tributo a Emily Mason

May 31, 2023

david ébano

Conocida como una colorista consumada en sus abstracciones pictóricas de tonos brillantes, Emily Mason murió el 10 de diciembre de 2019, a los 87 años, en su casa en Vermont después de una prolongada batalla contra el cáncer. El 10 de diciembre es el cumpleaños de su poeta favorita, Emily Dickinson, y Mason consideraba cada una de sus pinturas como un poema visual, buscando la expresividad y, me atrevo a decir, la cualidad espiritual que encontró en los versos de Dickinson. Mason, sin embargo, nunca admitiría ambiciones tan elevadas para su arte. Aunque su ambición artística era obvia para mí y para quienes la rodeaban, en la pasión por la pintura que exudaba y en el monumental cuerpo de trabajo que produjo, Mason siempre mantuvo un grado de modestia sincera y constante, a veces al borde de la modestia injustificada. sobre sus metas y logros.

El problema no era solo su lucha como mujer artista en el medio dominado por los hombres del mundo del arte de mediados del siglo XX, sino el hecho de que había estado rodeada de formidables personalidades artísticas durante toda su vida. Trabajamos juntos durante años en dos libros que exploran su vida y arte: Emily Mason: The Fifth Element (2006), para el legendario editor de libros de arte George Braziller; y Emily Mason: The Light in Spring (2015), publicado por University Press of New England. Ambos fueron proyectos felices, y fue gratificante ver cómo, en el proceso de examinar su vida y reflexionar sobre su larga carrera, pudo superar hasta cierto punto las dudas sobre sí misma y ganar un nuevo nivel de confianza en sí misma y en su trabajar. Durante esos tiempos, revisando sus archivos, siempre estaba llena de ingenio y humor. A menudo se burlaba de mí, diciendo que estaba tratando de hacer que ella "tocara su propia bocina".

Mason nació el 12 de enero de 1932 en una familia de artistas. Su madre fue una pintora abstracta pionera Alice Trumbull Mason, descendiente de John Trumbull, un renombrado retratista del siglo XIX. Su padre, Warwood Edwin Mason, era capitán de una compañía naviera comercial y, a menudo, estaba en el mar. Emily, por tanto, creció en un hogar más o menos matriarcal, lo que la acercó al círculo de artistas de vanguardia que rodeaba a su madre, cofundadora del grupo American Abstract Artists (AAA). Emily recordó que Piet Mondrian vendría a almorzar. Josef Albers y Ad Reinhardt eran visitantes frecuentes y Milton Avery la cuidaba. Cuando era adolescente durante la Segunda Guerra Mundial, veía pintar a Joan Miró en un estudio contiguo al de su madre, que él había alquilado durante los años de la guerra.

En 1950, Emily ganó una beca para asistir a Bennington College, donde estudió con Paul Feeley y Dan Shapiro. Una beca Fulbright de 1956 que le permitió estudiar en Venecia inició un amor de por vida por Italia, que posteriormente visitaba para estadías prolongadas casi todos los años. Tenía un profundo conocimiento del arte del Renacimiento italiano y en nuestras conversaciones prefería discutir, por ejemplo, el color y la línea que usaron los primeros grandes como Cimabue, Giotto y Duccio, en lugar de algunos de los temas de arte contemporáneo que traté. para dirigirla hacia.

Mientras estaba en el extranjero en 1957, se casó con el pintor Wolf Kahn, a quien había conocido antes en Nueva York. La pareja formó una familia y permaneció junta por el resto de su vida. En 1959, se unió a Area Gallery en 10th Street en Nueva York, y en 1960 realizó allí su primera exposición individual. Mason persiguió su propia visión artística única desde el principio de su carrera. En contraste con las composiciones geométricas y de bordes duros de su madre y las imágenes expresivamente románticas y coloridas inspiradas en paisajes de su esposo, desarrolló una forma distintiva de abstracción intuitiva y gestual con colores vívidos en capas y pinceladas bravura, así como vertidos indeterminados, siempre abrazando el elemento del azar en su proceso.

El trabajo de Mason a menudo aparece como un puente entre los expresionistas abstractos, muchos de los cuales conoció personalmente, y los pintores de Color Field, como Helen Frankenthaler y Morris Louis, aunque su trabajo nunca encaja cómodamente dentro de las etiquetas históricas del arte. Mason creía de todo corazón en las posibilidades trascendentales de la pintura abstracta. Le encantaban los experimentos con colores análogos y le gustaban los rojos, naranjas y amarillos brillantes, a menudo salpicados aquí y allá con toques de azul o verde. Los matices de textura que logró en las capas de pigmento, y la intensidad y luminosidad inesperadas de su color, conducen indefectiblemente al espectador a un lugar de meditación, un reino de otro mundo. Sin embargo, siempre negaría guiar o manipular al espectador de alguna manera. Sus pinturas pueden sugerir ese destino, pero tienes que llegar allí por tu cuenta.

Barrio de Nari

Conocí a Emily Mason cuando era una joven estudiante de pregrado en Hunter College. Estaba inscrito en su clase de pintura para principiantes y no estaba muy seguro de querer ser artista. Conocerla en ese momento de mi vida lo cambió todo. Emily siempre animó a sus alumnos a experimentar; ya menudo traía materiales para que trabajáramos. Su criterio para el éxito no era solo hacer arte, sino ayudarte a encontrar lo que funcionaba para ti. Su método de enseñanza fue radicalmente informado por la empatía.

Recuerdo llegar tarde a clase porque estaba empleado como guardia de seguridad del turno de noche, y durante el día a menudo tomaba una siesta en la biblioteca de Hunter antes de la clase y me quedaba dormido algunas veces. En lugar de la reprimenda habitual de la maestra, Emily me preguntó dónde dormía y se ofreció a venir a buscarme o enviar a alguien a despertarme. Me sorprendió su generosidad pragmática y me motivó a nunca volver a llegar tarde a su clase. Tomar decisiones estéticas con poder emotivo mientras brillaba una luz para los demás era parte del rigor autoasignado de Emily, y este enfoque humanista indudablemente alimentó su extraordinaria visión.

Parte del viaje de Emily como artista fue ayudar a otros a encontrar su camino predicando con el ejemplo pero también ayudando cuando fuera necesario. A lo largo de los años, Emily se convirtió no solo en una mentora, sino también en una amiga. Incluso recientemente, en nuestra última reunión, se apresuró a bromear sobre cómo el día de mi boda le divirtió mucho que mi tío Félix estuviera más concentrado en la temperatura de la cabra al curry que en la ocasión indicada. Seguramente extrañaré su ingenio, humor, fuerza y ​​amor inquebrantable.

Sanford Würmfeld

Conocer a Emily Mason durante más de 50 años fue un regalo maravilloso que me presentó la vida. Ella fue, ante todo, una amable mentora junto con su esposo Wolf Kahn, quienes, cuando nos conocimos por primera vez en Roma, me introdujeron a las posibilidades que busca un artista comprometido y en busca. Emily fue una amiga de toda la vida cuyo arte siempre me emocionaba encontrar. Su metodología de trabajo, basada en años de experiencia visual cada vez mayor y conocimiento de la historia del arte, le permitió acercarse a una superficie de la manera más espontánea y luego confiar en sus reacciones a la pintura que colocó primero para finalmente crear sorprendentes. obras: pinturas que parecían aparecer para un espectador como si fueran producidas por magia. Durante muchos años fuimos colegas en Hunter College en Nueva York, donde Emily transmitió su pasión por la pintura de la manera más inteligente y enriquecedora, produciendo generaciones de estudiantes agradecidos y admirados, algunos de los cuales se convirtieron en excelentes artistas. Debido a su enseñanza, su filantropía y, sobre todo, a su arte, tenemos el privilegio de estar continuamente influenciados por el extraordinario legado de Emily. Nuestro mundo es un lugar mucho menos hermoso, mágico y amable sin ella.

steven rosa

Escrito a mi Lennox de un año, un mes después del fallecimiento de nuestra amiga Emily Mason:

Estimado Lennox,

Perdimos una hermosa chispa este diciembre. Espero que lo supieras. Lloraste en el entierro sin control, cosa que nunca haces. Espero que nos sintiera a todos afligidos, sintiera la pérdida inconmensurable y tal vez el regalo sublime y la responsabilidad que se había transferido. Me gusta pensar que ella te enseñó a ver y a preguntarte. Cuando tus ojos se estaban formando, semanas después de esta vida, te presenté cada pintura en nuestra casa como te presenté la vista de los tilos y el cielo fuera de la ventana de nuestra sala de estar. Y respondiste con no menos asombro. Eventualmente, tus diminutas sacudidas de cabeza se convirtieron en jadeos audibles que nos harían reír a todos.

Más tarde, cuando pudiste gatear por tu cuenta, te puse en el piso de su estudio rodeado de las pinturas imponentes y vibrantes de Emily y te abalanzaste sobre ellas como un toro de 20 libras, sonriendo y señalando. Emily te miró a los ojos, y mirarla a ella era un espíritu afín, un espíritu lleno de un amor incondicional por la vida, una curiosidad insaciable por todas las cosas no probadas y un poco de travesura. Ella te ha entregado el bastón. Llévalo bien. Abrazará las cosas sexys y traviesas, se reirá de una broma suave pero adecuada y apreciará un buen sentido de rebelión.

Emily abrazó tanto la rebeldía; Prueba A, su marido durante 62 años, Wolf Kahn. Pruebas de la B a la Z: todos y cada uno de los movimientos audaces en cada pintura, óleo sobre papel e impresión que haya hecho. Wolf dijo una vez que Emily pintaba como canta una niña, sin reservas ni planes. Observando sus primeros pasos, agregaría que Emily vivió (y pintó) como un niño que aprende a caminar, con determinación, abandono y absoluta jovialidad en la repetición. Sus pedacitos de sabiduría. Pequeñas rebeliones internas. Puro idealismo:

"Quita la mente del camino".

"Que hable la pintura".

"Si estás demasiado apegado a una parte, es porque estás descuidando otra".

"Dale más tiempo".

El resultado: montones de trabajo duro y dedicado. ¿Mencioné que Emily nunca se tomaba un día libre?

Hacia el final de su vida, era más libre y audaz que nunca. Las composiciones eran tan finas que a veces el pigmento apenas espolvoreaba el diente del lienzo para sugerir su presencia en la composición. Simplemente lo dejaría porque la sensación en su estómago le decía que la pintura estaba terminada.

El día después de que Emily decidiera que renunciaría a más tratamiento, solicitó un viaje a Chinatown antes de regresar a su granja en Vermont. Era agosto y quizás uno de los días más calurosos del año y su cuerpo estaba cansado después de cuatro meses de quimioterapia. Aún así, ella quería esto. Bajamos a Canal Street para visitar los puestos de frutas, el restaurante vegetariano de pato a la pequinesa, los mercados de champiñones secos y la tienda de congee. No podía comer mucho en ese momento, pero estaba hambrienta. Nosotros colectamos. Frutas del dragón amarillas y rojas, lichis, dos tipos de mangos que nunca había visto antes, extrañas ciruelas etiquetadas como 'uvas italianas' en Sharpie, durián maduro, bolsas de pescado seco y champiñones y, por supuesto, una foto de pene de buey a base de hierbas. sopa. Publicó este último en su página de Instagram con el título "hora del almuerzo". Le encantaba ser traviesa.

Jannis Stemmermann

En 1988, la Associated American Artist Gallery le encargó a Emily que hiciera una edición impresa en huecograbado. Fui asistente de Catherine Mosley, la maestra grabadora de Robert Motherwell, quien fue contratada para el proyecto. Durante el proceso de fabricación de planchas, Emily no estaba satisfecha con sus pruebas. Por voluntad propia, decidió experimentar con una técnica poco conocida utilizada por Joan Miró: pintar con gravilla de carborundo y pegar sobre la placa para crear una matriz. La técnica le dio flexibilidad y le permitió trabajar de una manera más intuitiva; una impresión pictórica hecha en sus propios términos. Al trabajar de cerca con Emily para ayudarla a lograr los coloridos velos que resultaron en Soft the Sun, comenzó nuestra amistad.

Después de editar Soft the Sun, emocionados por sus resultados y el potencial para el proceso de aguatinta al carborundo, Emily y yo continuamos trabajando por nuestra cuenta. Casi todos los viernes, de noviembre a mayo, durante más de 20 años, Emily aparecía en la puerta de mi estudio con el pelo recogido en coletas, un bolso con platos recién hechos y una barra de pan del mercado de agricultores. El estudio de impresión estaría listo para ella con tintas y pilas de copias en progreso. Hacía té, rebanaba y tostaba el pan, mientras charlábamos y ella se acomodaba. A veces llegaba con una idea que se le ocurría mientras yacía despierta en medio de la noche: opciones de color para el día, codificadas en los tonos del jersey de cuello alto de seda, el suéter de cachemir y las coletas que llevaba puestas. Con los delantales puestos, entintamos y limpiamos los platos juntos. Operé la prensa: registré las placas, ajusté la presión, coloqué papel, puse la manivela. Emily esperó el golpe de la placa al pasar a través de la prensa mientras contemplaba sus próximos movimientos. Al final del día, la pared del estudio estaba cubierta con impresiones frescas, capas de colores recién agregados, capas veladas sobre tinta seca de semanas o meses anteriores. Una impresión fue a parar a la pila de "terminados" cuando sintió que no había nada más que pudiera agregarse.

A Emily no le importaba la autopromoción, sino que invertía en fomentar a otros artistas. Siendo la hija de la pintora abstracta Alice Trumbull Mason, y creciendo en la ciudad de Nueva York, Emily siempre tuvo una mente clara sobre lo que significaba ser artista y navegar por una ciudad compleja. Cuando nos conocimos, acababa de salir de la escuela de arte y vivía solo en Williamsburg, Brooklyn. Después de trabajar juntos durante algunos años, juntos, Emily y yo compramos una nueva prensa Charles Brand y establecimos una tienda en mi estudio de Brooklyn. Simultáneamente, Emily me animó a continuar haciendo mi propio trabajo. Con su participación en el comienzo del Vermont Studio Center [en Johnson, Vermont], me reclutó para ser residente; y ahí es donde mi propio trabajo comenzó a florecer.

Peter Schlesinger y Eric Boman

Durante casi cuarenta años, el estudio de Emily Mason estuvo ubicado directamente encima del nuestro en un vecindario originalmente industrial donde nuestro edificio atrajo gradualmente a una gran variedad de personas creativas. Compró todo el piso 11 con la intención de compartirlo al cincuenta por ciento con su esposo Wolf Kahn como estudios. Wolf no estaba interesado en medio piso y la despreció comprándolo como una mala inversión. Emily se reiría con deleite años más tarde cuando se demostró que su perspicacia inmobiliaria era correcta. En cambio, la mitad sur de su piso se convirtió en un invernadero lleno de orquídeas y otras especies exóticas que tenían que transportarse en camiones de ida y vuelta a Vermont cada temporada.

Como algunos de los primeros residentes en una fábrica reconvertida, nos conocimos a través de problemas de plomería y la C de O, que luego se convirtieron en chismes sobre los artistas excéntricos en el edificio que incluían a la artista de fibra Lenore Tawney, cuyo incienso flotaba el edificio, y la artista feminista, Hera.

Emily tenía cierta precisión yanqui y se intuía que mantenía una paleta ordenada, tanto con los pigmentos como con las personas. Este espíritu también le impedía reparar sus radiadores, prefiriendo colocar una placa poco profunda debajo de cada fuga. Los platos inevitablemente se desbordaban y el agua goteaba hacia nosotros. Apagó los radiadores ofensivos uno por uno, cada vez más y más fríos mientras le pedía al súper complaciente Agim que subiera la calefacción, haciendo que todos los demás en el edificio hirvieran de calor. Finalmente prevaleció la razón, se repararon los radiadores y todos quedaron en paz.

Con los años descubrimos que compartíamos con Emily una obsesión por las plantas y la naturaleza; y desarrollamos varias tradiciones, como intercambiar plantas de nuestros jardines e ir a la venta anual de plantas del Jardín Botánico de Brooklyn en la primavera cuando las lilas estaban en flor. Emily nos actualizó sobre la estatura de un retoño de tulipán que habíamos desenterrado para ella. Cada otoño nos regalaban frascos de mermelada y jalea que ella hacía en Vermont. Otra tradición era una taza de té con el pastel casero de Eric en nuestro apartamento después del viaje anual de Emily a Venecia. Un año, nos trajo unas zapatillas de gondolero de terciopelo en colores fabulosos que todavía apreciamos.

lucius pozos

Durante mis primeros años en Nueva York, Emily Mason y Wolf Kahn fueron mi familia. A menudo visitaba su apartamento en la calle 15 e inventaba cuentos de hadas para sus hijas antes de la cena. Los conocí por primera vez en Roma antes de mudarme a Nueva York. Habíamos intercambiado estudios. Wolf vestía corbatas y suéteres coloridos, los niños tenían ropa tejida, todo hecho por Emily, una persona amable, hermosa y cariñosa. Era capaz de irradiar su inmensa energía con una gracia discreta, siempre precisa y sonriente, vulnerable pero firme.

Los colores que usaba su familia eran colores derivados de sus pinturas. Sus amplios gestos de pintura apoyarían una estructura reflexiva que se habría sentido tímida de expresar o enfatizar demasiado. La exageración asociada con la mayoría de la pintura gestual nunca entraría en su trabajo. Amplios campos de capas de color, a veces delgadas, a veces ligeramente más gruesas, se alternaban con sabiduría, con caligrafías rápidas y pequeños nudos de pigmento que creaban nuevos territorios cromáticos que se encontraban o se superponían.

Atenta a todos los modos y estados de ánimo, cada una de sus obras cautiva mi mirada como algo inevitable. En su trabajo, parece como si un cierto rojo no pudiera sino colocarse junto a ese azul en particular, y mezclarse con un tono anaranjado antes de llegar a una aguda contradicción malva. Mientras mi ojo escanea las pinturas, una enorme variedad de asociaciones se arremolinan en mi mente, desde paisajes a nubes, a entidades que hacen eco de existencias invisibles, a vibraciones que atraviesan mi mirada. Los registro solo después de que se han filtrado dentro de mi propio universo. Agradezco que no me impongan nada, su pintura me incita a reinventarla en mis propios términos cada vez que la miro.

La sonrisa de Emily era abierta y fresca, lista para ofrecer un diálogo desprevenido. La forma en que pudo ser artista, mujer, esposa y madre tenía la dignidad de una persona profundamente centrada, lo suficientemente fuerte como para ser solidaria e independiente. Un barniz de melancolía añadía encanto a su generosidad.

En Nueva York, Emily y Wolf nos trajeron a Susanna Tanger ya mí, recién llegados, por la ciudad, conociendo a las personas que conocían. Algunas noches nos reuníamos en el desván de Stan y Johanna VanderBeek. Recuerdo la silla de barbero dominando el salón mientras miraba películas. Algunas veces, la madre de Emily, Alice Trumbull Mason, como su hija, una artista resistente, vino con ellos a nuestro pequeño loft en Avenue B y 6th Street con su capitán esposo, el padre de Emily.

El pintor moderno que se preocupa por la magia imprevisible de pintar a mano vive una vida de resistencia. Se enfrenta a despidos cíclicos porque la técnica es antigua. Pero lo que es peor, ahora también es desafiado por artífices pictóricos cuya pintura se fabrica a partir de esquemas predispuestos. Los giros de nuestros gustos efímeros parecen poner en peligro constantemente la pintura de improvisación. Emily persistió en trabajar sin trabas, persiguiendo su pasión pictórica por una sensibilidad insondable a pesar de todo. Además, también enfrentó las dificultades a las que se enfrentaban las artistas de su generación, ya que los hombres, a menudo sus mismos compañeros, fomentaban un carril preferencial sistemático para ellas. Emily nunca buscó probar un punto, nunca se permitió mantener una posición rígida. Vuela bajo y va lejos como el pájaro del I Ching.

Con su fallecimiento, una sustancia central de mi vida queda sellada en el misterio del tiempo. Muchos son los amigos que los artistas de mi edad están perdiendo, pero la discreta y monumental ausencia de Emily construye un muro de vacío al que me cuesta adaptarme.

Carrie Moyer

Las pinturas de Emily Mason nos recuerdan que el arte es tanto para el creador como para el público. Su placer en el proceso es palpable, especialmente para nosotros, compañeros pintores, que podemos imaginarla moviendo despreocupadamente los materiales sobre la superficie con un pincel o un dedo. Nada es precioso. Una y otra vez, su voluntad de experimentar y jugar con la pintura al óleo y Gamsol resultó en nuevas asociaciones, sentimientos e ideas sobre cómo el color y la luz podrían operar en nosotros. Tales descubrimientos se convierten en una especie de alegría compartida por el artista y el espectador por igual. Yo también estoy interesado en compartir la emoción de la sensación óptica y corporal con mis espectadores. Esto es difícil de hacer una vez, y mucho menos durante una carrera que abarca setenta años y miles de lienzos. Brava Emily. ¡Puedes jugar mucho!

Luis Newman

Conocí a Emily Mason en ella en un amplio y luminoso estudio de Chelsea que tenía inmensos ventanales que daban a los rascacielos de Madison Square y Midtown. Su estudio estaba lleno de numerosos cuadros y muchas plantas; Sospecho que había al menos tantas plantas como pinturas. El espacio era abierto y alegre, y en las paredes se exhibían una serie de obras en progreso de Emily ricamente coloreadas. También había obras de varios artistas con los que Emily tenía una afinidad particular: Hans Hofmann, Marsden Hartley, Arshile Gorky y una acuarela de flores de Charles Demuth. Aunque el estudio era grande, se sentía muy personal y sorprendentemente íntimo, con algo de desorden y estantes repletos de libros de arte. Sobre todo, recuerdo estar rodeado de sus pinturas, emanando colores y luces estimulantes.

Era el año 1997. Durante varias décadas, fui propietario y administrador de las galerías homónimas Louis Newman en Beverly Hills. Ahora estaba en la ciudad de Nueva York, director de una galería recién inaugurada, MB Modern en la calle 57. A mis ojos, había llegado al nexo del mundo del arte. Emily Mason iba a ser la primera artista cuyo trabajo exhibiría allí. Al final de la noche de apertura de su exposición individual, todas sus obras habían sido vendidas. Este fue el comienzo de una relación laboral con Emily y una amistad que duró más de dos décadas.

En muchos sentidos, Emily me presentó a su Nueva York. A menudo socializábamos fuera de la galería y el estudio. Emily y su esposo Wolf Kahn siempre fueron intelectualmente curiosos y conectados. Me trajeron a su mundo, desde invitaciones a conciertos de música de cámara hasta conferencias, exhibiciones y charlas de artistas. De vez en cuando, incluso asistíamos a servicios conmemorativos que celebraban la vida de personas importantes que habían conocido, pero a quienes nunca había tenido el privilegio de conocer. A través de Emily, mi mundo se expandió y se enriqueció enormemente.

Emily siempre fue refrescantemente directa y honesta. Confiábamos el uno en el otro y, debido a su enfoque tanto de la vida como del arte, trabajar con ella sería transformador. Poseía un espíritu inquisitivo, acogedor y totalmente comprometido y comunicaba esas cualidades en sus pinturas. El trabajo de Emily no trataba sobre la angustia o el gran drama. Estaba en paz con su universo. Y siempre hubo alegría en su trabajo que rara vez se ve en la pintura abstracta, todo realzado por la notable comprensión de Emily de las posibilidades emocionales del color.

En octubre de 2015, fui invitado a convertirme en director de Modernismo y Arte Contemporáneo en LewAllen Galleries en Santa Fe, donde continúa la "tradición de Emily Mason". Durante mis muchos años como marchante de arte, he ayudado a numerosos artistas en sus carreras. Emily fue la única artista que creo que hizo mi carrera. A través de Emily, aprendí a apreciar mejor las necesidades del artista ya abordar esas necesidades. Creo que me ayudó a convertirme en un traficante más atento y sensible. Entiendo por los presentes que en su último día Emily recitó uno de sus poemas favoritos de Emily Dickinson. El poema captura gran parte de la magia de Emily la artista y la alegría que ha dejado a su paso.

ella barre con escobas multicolores

Ella barre con escobas de muchos colores, y deja atrás los fragmentos, oh, ama de casa en el oeste vespertino, ¡regresa y limpia el estanque!

Dejaste caer un Ravelling púrpura, dejaste caer un hilo de ámbar, ¡y ahora has ensuciado todo el este con trapos de esmeralda!

Y todavía maneja sus escobas manchadas, y todavía vuelan los delantales, hasta que las escobas se desvanecen suavemente en estrellas, y luego me alejo.

—Emily Dickinson

eric aho

Respaldado por la más mínima de las presentaciones, me presenté en la granja de Emily Mason y Wolf Kahn en la cima de una colina en Vermont en el verano de 1989. Recién salido de la escuela de arte, acababa de aterrizar en Vermont y había comenzado a pintar. Aparentemente, fui a encontrarme con Wolf, pero es a Emily a quien recuerdo cuando pienso en ese día. Saliendo de su estudio, con un delantal, el cabello recogido en esas encantadoras coletas, me saludó con esa enorme sonrisa y un saludo cálido y sencillo. ¿Era yo la imposición que había temido? Su bien ensayada bienvenida (seguro que ha habido muchos otros artistas jóvenes en Maine, Italia y Nueva York que se habían acercado de manera similar a su campamento artístico) fue tan sincera que instantáneamente me tranquilizó. Sirvió limonada, pan fresco y su galardonada mermelada.

Mientras esperábamos a que Wolf se uniera a nosotros, miramos hacia las colinas y simplemente hablamos rápidamente, aprendiendo un interés compartido en la búsqueda de hongos (algo finlandés para mí y para Emily, el símbolo mismo de la interconexión en la naturaleza). Si la granja, intacta desde mediados del siglo XIX, con solo una estufa de leña para calentarse, recordaba el pasado, sentarse con Emily era el aquí y el ahora. Su compromiso sin prisas insistía en que estar en el presente era lo que importaba. Eventualmente, llegué a ver su tranquilidad casual como un sello distintivo de su pintura y de la propia Emily.

Pero en ese momento, su pintura de alguna manera inicialmente me inquietó. Me habían enseñado a desconfiar de la belleza. Tal vez sus pinturas eran demasiado hermosas. Mirando hacia atrás, creo que estaban muy por delante de mí; pusieron a prueba mis prejuicios y preconceptos. El miedo y la belleza se encuentran en el centro de lo sublime. Todavía no había entendido que la alegría podía ser un tema de pintura, o que la alegría y la tristeza podían incluso, a veces, compartir la misma paleta.

Muy pronto, me di cuenta. La exhibición de Emily en 1993 en el cercano Marlboro College fue una experiencia sensorial completa. Su lenguaje único de afirmaciones poéticas indirectas, a través del color vertido, derramado y cepillado guiado por la acción y el accidente deliberado, fue emocionante y señaló el registro humano que ocupa su pintura. My Pleasure, una obra de esa época, establece un tono definitorio de múltiples capas de la alegría y el propósito de Emily.

De familia de artistas, Emily ya estaba envuelta en una experiencia madura de abstracción. Después de todo, sus obras sensibles revelan su arena muy personal de hábitos, deseos, anhelos, fracasos, sueños y esperanzas. Qué maravilloso debe ser pintar sin pretensiones, ser consciente y, sin embargo, libre de la tiranía de la moda. Qué maravilloso debe haber sido estar profundamente informado por los exuberantes antecedentes de la pintura, aceptar la propia duda, la lucha y la visita del éxito, y trabajar con los sentidos totalmente comprometidos. Encontrarse con las pinturas de Emily Mason no fue diferente a encontrarse con la propia Emily.

Por luminosas y cálidas que sean muchas de sus obras, no se trata precisamente de la luz, ni del sol, precisamente. A medida que llegué a conocer mejor a Emily, sus pinturas se convirtieron en sus representantes, pulsando como fosfenos ópticos bioluminiscentes, similar al milagroso espectáculo neuronal de color que vemos cuando nuestros ojos están cerrados. La incandescencia es meditaciones internas, más humanas que fenomenológicas, peculiares, intensas, sensuales e impredecibles sobre experiencias, pensamientos pasajeros, estados de ánimo y temperaturas de los sentimientos. Sus pinturas son engañosas, no muy diferentes a sus queridos hongos (la delicadeza y el peligro se ocultan a simple vista) y, al igual que la pequeña estatura de Emily, ocultan más poder y profundidad de lo que parecen. Rara vez sus pinturas son más grandes de lo que podría cargar, la amplitud de sus brazos siempre las une a una escala humana y personal. Después de todo, un lienzo no necesita tener diez pies de ancho cuando el sentimiento que se le aplica es inconmensurable.